Inauguración – Visor 2025

Reconstrucción existencial: Repeticiones, derivas, memorias y silencios
Tutoría y curaduría: Adela Goldbard y Yasodari Sánchez

En esta muestra de resultados del Programa de Proyectos Fotográficos y Audiovisuales de Investigación y Creación VISOR 2025, el hilo conductor parece ser un padecimiento existencial que marca nuestra época tanto a nivel individual como colectivo. Esta constelación de proyectos artísticos nos invita a reflexionar desde lo sensorial acerca de los rituales de sobrevivencia que día a día llevamos a cabo ante la monotonía, el agotamiento, el hastío, la marginalidad, la hostilidad y el olvido. A través de performances, instalaciones, videos, fotografías, zines y textiles, las y los artistas nos sumergen en un spleen contemporáneo que nos trastoca.
La deriva existencial que este conjunto de obras propone inicia con una confrontación con las consecuencias de las dinámicas capitalistas sobre los cuerpos y las mentes. A partir de un recorrido performático por la maquila regiomontana, Melissa Céspedes enfoca la experiencia de las y los trabajadores, las condiciones insanas —físicas y mentales— en las que desarrollan sus actividades y el consecuente burnout al que se exponen. Este mismo malestar se observa en la documentación fotográfica del transporte público que Antonio Gamboa lleva a cabo. Desde el anonimato de las espaldas, las más de cien fotografías muestran el aislamiento que caracteriza los espacios de tránsito, así como el letargo y el entumecimiento —mental y físico— de sus usuarios. Quienes transitan cotidianamente por la ciudad padecen el spleen baudeleriano al cargar la existencia a sus espaldas.

La obra de Jesús Treviño nos transporta a las ruinas de la ciudad de Monterrey. El antiguo coliseo, la planta termoeléctrica y el Mercado Norte son, al mismo tiempo, testigos del pasado y archivo vivo del olvido institucional. El hastío se deposita en los espacios comunes, que quedan, al igual que los cuerpos, a la espera de una reconstrucción que nunca llega. Por otro lado, y a ras de tierra, la performance duracional de Frida Limón traza una línea roja efímera que protege simbólicamente a la Fortaleza —localidad de nombre oracular, ubicada en las periferias de la ciudad de Monterrey— del avance del progreso capitalista impulsado por desarrolladores, en un intento por evitar su ruina.
Sin embargo, por breves momentos, la incertidumbre urbana que atraviesa la ciudad de Monterrey —donde edificios monumentales de lujo permanecen vacíos, construidos para la especulación antes que para ser habitados— y el hastío se suspenden en un espacio de encuentro inesperado: las alturas. Los lazos que Ángeles Gil entabla con los trabajadores de la construcción, quienes levantan un futuro que nunca será para ellos, permiten que tanto ellos como ella se recompongan en el encuentro, ensayando una existencia compartida en una ciudad que, vista desde arriba, parece tan lejana como ficticia.
Alexander Gracia nos propone una reconstrucción distinta: en su instalación, las ruinas de la memoria familiar edifican una nueva estructura afectiva a partir de los fragmentos de un jacalón antiguo. Piedras ancestrales anclan los relatos impresos en telas expuestas al sol, en cuyos pasajes se revela una espiral de fuerzas más que humanas que emergen del pasado y, al hacerlo, lo transforman.

En la videoinstalación de Emilio Rodelo, la reconstrucción también se intuye a partir de la huella, pero no de la huella del pasado, sino de la huella en la piel. A través de la vida y obra de Kirviz, un tatuador de y en las periferias de la ciudad, Emilio documenta cómo una práctica marginal —ahora sobreestetizada y capitalizada por el mainstream— hace del cuerpo un espacio común. Tatuarse en la calle se convierte así en un nuevo ritual de protección y comunión.
Por último, la instalación textil de Vania Salazar nos plantea otra reconstrucción desde el afecto y la práctica feminista del cuidado. A partir de la memoria de su abuela, logra acercarse a un grupo de mujeres adultas mayores de su comunidad rural para reconstruir con ellas, entre la cocina y el bordado, la cocina de su abuela. En el proceso, estos saberes y prácticas compartidas las transforman mutuamente y les permiten recuperar formas de autonomía que los roles de género les habían arrebatado.
De esta manera, la reconstrucción existencial que proponen las obras de esta muestra parte de una necesidad de sobrevivencia. Desde el desencanto creativo de una generación joven, se ensayan distintas formas de recomponer la vida. Porque, en este spleen contemporáneo, donde vivir puede parecerse demasiado a estar muerto, las ruinas no pertenecen al pasado y es necesario reconstruir desde y con lo que nos dejaron.

Adela Goldbard
Agosto 2026